- Alexander Kosek
The Best Booths at Art Basel Hong Kong 2022, from Dazzling Large-Scale Installations to NFT Hype
Die besten Stände auf der Art Basel Hong Kong 2022, von schillernden Großinstallationen bis zum NFT-Hype
With 130 galleries from 28 countries and territories, the 2022 edition of Art Basel Hong Kong opened to VIPs on Wednesday at the Hong Kong Convention and Exhibition Centre. Delayed from March to May due to the spike of Covid cases in Hong Kong, the fair embraced the “new normal” in a hybrid format.
The socially distanced setup in the physical venue provided more space for visitors to enjoy art, while those who could not attend in person could join the fair’s online viewing rooms, live-streamed videos, and virtual tours. Dealers reported strong sales throughout the day.
“It is inspiring to see the amazing commitment and surging number of galleries participating in our Hong Kong show, despite the current challenges and uncertainties,” Art Basel’s global director Marc Spiegler said in a statement. “This stands as testament to the show’s continued role as a vital platform for cultural exchange in the region.”
Below is a look at some of the best booths at Art Basel Hong Kong, which runs through Sunday, May 29.
Mit 130 Galerien aus 28 Ländern und Territorien wurde die Ausgabe 2022 der Art Basel Hong Kong am Mittwoch im Hong Kong Convention and Exhibition Centre für VIPs eröffnet. Die Messe, die aufgrund des Anstiegs der Covid-Fälle in Hongkong von März auf Mai verschoben wurde, begrüßte die "neue Normalität" in einem Hybridformat.
Der sozial distanzierte Aufbau am physischen Veranstaltungsort bot den Besuchern mehr Raum, um die Kunst zu genießen, während diejenigen, die nicht persönlich anwesend sein konnten, an den Online-Besichtigungsräumen, Live-Stream-Videos und virtuellen Rundgängen der Messe teilnehmen konnten. Die Händler berichteten über starke Verkäufe während des gesamten Tages.
"Es ist inspirierend, das erstaunliche Engagement und die steigende Zahl von Galerien zu sehen, die trotz der aktuellen Herausforderungen und Unsicherheiten an unserer Messe in Hongkong teilnehmen", sagte Marc Spiegler, Global Director der Art Basel, in einer Erklärung. "Dies ist ein Beweis dafür, dass die Messe weiterhin eine wichtige Plattform für den kulturellen Austausch in der Region ist.
Nachfolgend ein Blick auf einige der besten Stände der Art Basel Hong Kong, die noch bis Sonntag, den 29. Mai läuft.
Danh Vo at White Cube
Among the 40 artworks by various artists at White Cube’s booth, Vietnamese-born Danish artist Danh Vo’s installation stands out. Untitled (2020), made from 17th-century Portuguese polychrome and gilded wood and photogravure on paper, examines the historical narratives that we take for granted. Through reassembling artifacts and religious imageries, the artist explores how meaning is made across cultures. Vo’s artistic practice is connected to his own personal history of growing up in Europe after his family fled Vietnam as refugees in 1979.
Unter den 40 Kunstwerken verschiedener Künstler am Stand von White Cube sticht die Installation des in Vietnam geborenen dänischen Künstlers Danh Vo hervor. Untitled (2020) aus portugiesischem polychromem und vergoldetem Holz aus dem 17. Jahrhundert und Fotogravüre auf Papier untersucht die historischen Erzählungen, die wir als selbstverständlich ansehen. Durch die Neuzusammensetzung von Artefakten und religiösen Bildern erforscht der Künstler, wie Bedeutung in verschiedenen Kulturen erzeugt wird. Vo's künstlerische Praxis ist mit seiner eigenen persönlichen Geschichte verbunden, in der er in Europa aufwuchs, nachdem seine Familie 1979 als Flüchtlinge aus Vietnam geflohen war.
Katherine Bernhardt and Dan Flavin at David Zwirner
At David Zwirner’s booth, the artworks of young artists are juxtaposed against that of established artists, creating a dialogue among them. For instance, the 1964 pink-and-blue fluorescent light installation, untitled (for Charlotte and Jim Brooks) 1, by Minimalist artist Dan Flavin, is placed near the paintings of American artist Katherine Bernhardt. Flavin, one of the most influential artists of the 20th century, was known for his innovative use of non-traditional materials. The urban aesthetics of the glowing light source in the installation echoes the playful references to pop culture in Bernhardt’s paintings nearby. Bernhardt’s Crescent Lunge and Warrior II (both 2021), paintings made from acrylic and spray paint on canvas, feature the cartoon character Pink Panther attempting various yoga poses.
Am Stand von David Zwirner werden die Werke junger Künstler den Werken etablierter Künstler gegenübergestellt, so dass ein Dialog zwischen ihnen entsteht. So ist die rosa-blaue Leuchtstoffröhren-Installation "Ohne Titel (für Charlotte und Jim Brooks) 1" des Minimalisten Dan Flavin aus dem Jahr 1964 neben den Gemälden der amerikanischen Künstlerin Katherine Bernhardt platziert. Flavin, einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, war bekannt für seine innovative Verwendung von nicht-traditionellen Materialien. Die urbane Ästhetik der leuchtenden Lichtquelle in der Installation spiegelt die spielerischen Verweise auf die Popkultur in den benachbarten Gemälden von Bernhardt wider. Bernhardts Crescent Lunge und Warrior II (beide 2021), Gemälde aus Acryl und Sprühfarbe auf Leinwand, zeigen die Zeichentrickfigur Pink Panther, die verschiedene Yogastellungen einnimmt.
Zeng Fanzhi and Takashi Murakami at Gagosian
Japanese artist Takashi Murakami’s Korpokkur in the Forest (2019), a gigantic work created in the artist’s signature Superflat style, is so large that Gagosian had to extend the temporary wall of the booth upwards. The smiling flowers, arranged in a crowded, circular pattern in the painting are inspired by both the Japanese manga aesthetics and art traditions. Nearby, Chinese artist Zeng Fanzhi’s painting, Untitled (2022), shows the dynamic, gestural approach of the artist toward his abstract, nonrepresentational art. The vivid works on display elevate the energy of the booth. Other international artists are also featured in this booth, including those on Gagosian’s roster.
Korpokkur in the Forest (2019) des japanischen Künstlers Takashi Murakami, ein gigantisches Werk im für den Künstler typischen Superflat-Stil, ist so groß, dass Gagosian die temporäre Wand des Standes nach oben verlängern musste. Die lächelnden Blumen, die in dem Gemälde in einem dicht gedrängten, kreisförmigen Muster angeordnet sind, sind sowohl von der japanischen Manga-Ästhetik als auch von Kunsttraditionen inspiriert. In der Nähe zeigt der chinesische Künstler Zeng Fanzhi mit seinem Gemälde Ohne Titel (2022) den dynamischen, gestischen Ansatz seiner abstrakten, ungegenständlichen Kunst. Die ausgestellten lebendigen Werke steigern die Energie des Standes. Auch andere internationale Künstler sind an diesem Stand vertreten, darunter solche, die auf der Liste von Gagosian stehen.
Roni Horn at Hauser & Wirth
American artist Roni Horn’s mesmerizing cast-glass sculptures, first begun in the mid-’90s, are so glossy that viewers can see their reflection on the surface of the work. If you feel like you’re staring into a body of water, you’re not alone. It takes several minutes to ponder what you’re actually looking at. The work, made between 2010–12, has an enigmatic name as well: Untitled (“Sometimes I think I resemble myself too much. I have always been someone else…”). When juxtaposed against other works on view at the booth, this work, with its ever-changing appearance, makes visitors linger for a while.
Die faszinierenden Gussskulpturen der amerikanischen Künstlerin Roni Horn, die erstmals Mitte der 90er Jahre entstanden, sind so glänzend, dass der Betrachter sein Spiegelbild auf der Oberfläche des Werks sehen kann. Wenn Sie das Gefühl haben, in eine Wasserfläche zu starren, sind Sie nicht allein. Es dauert einige Minuten, bis man weiß, was man da eigentlich sieht. Das Werk, das zwischen 2010 und 2012 entstand, hat auch einen rätselhaften Namen: Ohne Titel ("Manchmal denke ich, dass ich mir zu sehr ähnle. Ich war schon immer jemand anderes..."). Im Vergleich zu den anderen am Stand gezeigten Werken lässt dieses Werk mit seinem sich ständig verändernden Erscheinungsbild die Besucher eine Weile verweilen.
Joel Mesler and Tracey Emin at LGDR
At LGDR (the new partnership established by dealers Dominique Lévy, Brett Gorvy, Amalia Dayan and Jeanne Greenberg Rohatyn), visitors line up in front of a neon light installation to take photos and selfies. The Instagram-worthy piece, titled I promise to love you (2007/08), comes courtesy Tracey Emin, who rose to fame in the ’90s, as one of the Young British Artists (YBAs). At the group booth, another artist who uses text in their artistic practice is American artist Joel Mesler. The tropical flora and fauna of his paintings give the booth a cheerful and casual vibe. Other notable artists on view here include Banksy, Keith Haring, and George Condo.
Bei LGDR (der neuen Partnerschaft der Händler Dominique Lévy, Brett Gorvy, Amalia Dayan und Jeanne Greenberg Rohatyn) stehen die Besucher vor einer Neonlichtinstallation an, um Fotos und Selfies zu machen. Das Instagram-taugliche Werk mit dem Titel I promise to love you (2007/08) stammt von Tracey Emin, die in den 90er Jahren als eine der Young British Artists (YBAs) berühmt wurde. Ein weiterer Künstler, der Text in seiner künstlerischen Praxis einsetzt, ist der amerikanische Künstler Joel Mesler, der am Gruppenstand vertreten ist. Die tropische Flora und Fauna seiner Gemälde verleihen dem Stand eine heitere und ungezwungene Ausstrahlung. Zu den weiteren namhaften Künstlern, die hier zu sehen sind, gehören Banksy, Keith Haring und George Condo.
Tom Friedman at Lehmann Maupin
At Lehmann Maupin’s group booth, American artist Tom Friedman’s large-scale sculpture Looking Up (2020) mimics the gesture of viewers as they look at this soaring sculpture. Its metallic exterior gives it a sci-fi aura, hinting at the futuristic, technological connectivity that transforms human existence. Using the QR code on display, viewers can use augmented reality (AR) technology to view a nearly 33-foot-high moving sculpture through their phone screens and place the animation next to the physical sculpture. Coinciding with Art Basel Hong Kong, this interactive experience is also expanded across different sites in Hong Kong, Seoul, and New York simultaneously.
Auf dem Gemeinschaftsstand von Lehmann Maupin ahmt die großformatige Skulptur Looking Up (2020) des amerikanischen Künstlers Tom Friedman die Gesten der Betrachter nach, wenn sie diese hoch aufragende Skulptur betrachten. Ihr metallisches Äußeres verleiht ihr eine Sci-Fi-Aura, die auf die futuristische, technologische Konnektivität anspielt, die die menschliche Existenz verändert. Mithilfe des ausgestellten QR-Codes können die Betrachter mit Hilfe der Augmented-Reality-Technologie (AR) eine fast drei Meter hohe, sich bewegende Skulptur auf dem Bildschirm ihres Telefons betrachten und die Animation neben der physischen Skulptur platzieren. Zeitgleich mit der Art Basel Hongkong wird dieses interaktive Erlebnis auch auf verschiedene Standorte in Hongkong, Seoul und New York ausgeweitet.
Hajime Sorayama at Nanzuka
Speaking of sci-fi, Japanese artist Hajime Sorayama’s installation at Nanzuka makes us wonder if we are staring at a creature from outer space. Untitled_Sexy Robot type II floating (2022) is an installation made from UV-curable resin, plexiglass, silver plating, light-emitting diode, stainless steel, and steel. The female humanoid figure with cyborgian features is the artist’s signature style. The reflective surface of the metal, coupled with the light reflecting from transparent surfaces, makes the installation look surreal. Reminiscent of scientific specimen in a vitrine, the female robot, objectified by male gaze, reveals the way we approach how we visually consume images.
Apropos Sci-Fi: Bei der Installation des japanischen Künstlers Hajime Sorayama im Nanzuka Museum fragen wir uns, ob wir eine Kreatur aus dem Weltall vor uns haben. Untitled_Sexy Robot type II floating (2022) ist eine Installation aus UV-härtbarem Harz, Plexiglas, Silberbeschichtung, Leuchtdioden, Edelstahl und Stahl. Die weibliche humanoide Figur mit cyborgartigen Zügen ist das Markenzeichen der Künstlerin. Die spiegelnde Oberfläche des Metalls in Verbindung mit dem Licht, das von den transparenten Oberflächen reflektiert wird, lässt die Installation surreal erscheinen. Der weibliche Roboter, der an ein wissenschaftliches Exemplar in einer Vitrine erinnert, wird vom männlichen Blick objektiviert und offenbart die Art und Weise, wie wir Bilder visuell konsumieren.
Rirkrit Tiravanija and Thomas Bayrle at neugerriemschneider
A ping pong table printed with Chinese characters, an installation by Thai artist Rirkrit Tiravanija, occupies the center of neugerriemschneider’s booth. Above it is German artist Thomas Bayrle’s UV-print-on-canvas work depicting table tennis players mid-match, formed by smaller patterns grouped together. The social interaction and ephemeral movements inherent in the act of playing table tennis makes us contemplate the dynamics in the formation of human relationships. During uncertain times amid the pandemic, the light-hearted presentation stirs up nostalgia as people yearn for the resumption of normalcy no matter how mundane such activities may seem.
Eine mit chinesischen Schriftzeichen bedruckte Tischtennisplatte, eine Installation des thailändischen Künstlers Rirkrit Tiravanija, steht in der Mitte des Standes von neugerriemschneider. Darüber befindet sich die UV-bedruckte Leinwandarbeit des deutschen Künstlers Thomas Bayrle, die Tischtennisspieler inmitten eines Spiels zeigt, das sich aus kleineren, zusammenhängenden Mustern zusammensetzt. Die soziale Interaktion und die flüchtigen Bewegungen, die dem Tischtennisspiel innewohnen, lassen uns über die Dynamik bei der Entstehung menschlicher Beziehungen nachdenken. In den unsicheren Zeiten der Pandemie weckt die heitere Darstellung die Sehnsucht nach der Wiederherstellung der Normalität, egal wie banal solche Aktivitäten auch erscheinen mögen.
Stephen Thorpe and Juri Markkula at Ora-Ora
At Ora-Ora, each work in Swedish artist Juri Markkula’s “Heaven” series looks different depending on the perspective of the viewer. They defy color categorization. To create this ethereal effect, the artist uses interference pigment and polyurethane on each piece, which can appear green, blue, pink, or gold. This creates a sense of spirituality and awe. The philosophical exploration continues in the oil painting of U.S.-based British artist Stephen Thorpe, Imagination and Reverie (2022), inspired by French philosopher Gaston Bachelard’s publication “On Poetic Imagination and Reverie,” from 1971. The painting depicts an arcade machine in nature, surrounded by birds and plants, combining imageries which transcend temporal and spatial boundaries.
Bei Ora-Ora sieht jedes Werk der Serie "Heaven" des schwedischen Künstlers Juri Markkula je nach Perspektive des Betrachters anders aus. Sie entziehen sich einer farblichen Kategorisierung. Um diesen ätherischen Effekt zu erzielen, verwendet der Künstler Interferenzpigmente und Polyurethan für jedes Werk, das grün, blau, rosa oder golden erscheinen kann. Das schafft ein Gefühl von Spiritualität und Ehrfurcht. Die philosophische Erkundung setzt sich in dem Ölgemälde des in den USA lebenden britischen Künstlers Stephen Thorpe, Imagination and Reverie (2022), fort, das von der Veröffentlichung "On Poetic Imagination and Reverie" des französischen Philosophen Gaston Bachelard aus dem Jahr 1971 inspiriert ist. Das Gemälde zeigt einen Spielautomaten in der Natur, umgeben von Vögeln und Pflanzen, und verbindet Bilder, die zeitliche und räumliche Grenzen überschreiten.
Lam Tung Pang at Blindspot Gallery
Hong Kong artist Lam Tung Pang’s latest series, “Potted City,” is displayed against a wall painted dark blue. The calm feeling given off by the wall is amplified by the bonsai images on plywood. In a sly move, however, skyscraper imageries are embedded among the mountains and plants, symbols typically seen in Chinese ink paintings. The exploration of the rural and urban landscape re-examines our relationship with the environment. Elsewhere at Blindspot Gallery’s booth, the art of several artists from this region is featured, including that of Angela Su, who represents Hong Kong at Venice Biennale 2022.
Die neueste Serie des Hongkonger Künstlers Lam Tung Pang, "Potted City", ist vor einer dunkelblau gestrichenen Wand ausgestellt. Die ruhige Stimmung, die von der Wand ausgeht, wird durch die Bonsai-Bilder auf Sperrholzplatten noch verstärkt. In einem raffinierten Schachzug sind jedoch Bilder von Wolkenkratzern in die Berge und Pflanzen eingebettet, Symbole, die typischerweise in chinesischen Tuschemalereien vorkommen. Die Erkundung der ländlichen und städtischen Landschaft stellt unsere Beziehung zur Umwelt auf den Prüfstand. Am Stand der Blindspot Gallery wird die Kunst mehrerer Künstler aus dieser Region gezeigt, darunter die von Angela Su, die Hongkong auf der Biennale von Venedig 2022 vertritt.
Ryan Bell at TZ APAC
NFTs (non-fungible tokens) are everywhere nowadays, and of course they are at Art Basel Hong Kong as well. There’s a booth presented by TZ APAC dedicated to generative and NFT art from around the world including Brunei, China, Malaysia, Philippines, Singapore, and South Korea. The booth, lit with purple light, shows projections of digital art on its walls. It is the first Tezos exhibition at Art Basel Hong Kong. (Tezos is a proof of stake blockchain which becomes an ecosystem for technology and art.) Visitors can mint their own NFT artwork on-site. Among these artists is American artist Ryan Bell, who loves fractal mathematics and recursive functions. His work, Microgravity, is randomly generated using code and calculations.
NFTs (non-fungible tokens) sind heutzutage allgegenwärtig, und natürlich sind sie auch auf der Art Basel Hong Kong zu sehen. Es gibt einen Stand von TZ APAC, der generativer und NFT-Kunst aus der ganzen Welt gewidmet ist, darunter Brunei, China, Malaysia, die Philippinen, Singapur und Südkorea. Der mit violettem Licht beleuchtete Stand zeigt Projektionen digitaler Kunst an seinen Wänden. Es ist die erste Tezos-Ausstellung auf der Art Basel Hong Kong. (Tezos ist eine Proof-of-Stake-Blockchain, die zu einem Ökosystem für Technologie und Kunst wird.) Die Besucher können vor Ort ihr eigenes NFT-Kunstwerk prägen. Zu diesen Künstlern gehört der amerikanische Künstler Ryan Bell, der sich für fraktale Mathematik und rekursive Funktionen begeistert. Sein Werk "Microgravity" wird mit Hilfe von Code und Berechnungen zufällig generiert.
Nortse at Fine Art Asia Pavilion
Within this year’s Art Basel Hong Kong is the Fine Art Asia Pavilion, a booth version of the Fine Art Asia art fair, known for exploring experimental ways of appreciating antiques and contemporary art. The booth brings together 20 artists from 6 galleries. The Golden Earth (2021–22) by Tibetan artist Nortse, represented by Rossi & Rossi, is a mixed-media work on canvas located at one end of the booth. The golden hue of the background catches the eye, and the found objects pasted onto the surface surprises. Elsewhere, a blank wall space for video projections has been place near antique furniture. Videos include introductions of two original characters created with traditional Chinese aesthetics in the Sandbox metaverse. These digital works are inspired by a bronze lamp in the shape of a mythical bird from Han Dynasty and a zitan wood lamp base in a bear shape from Qing Dynasty in the early 18th century.